El Renacimiento: Miguel Angel

INTRODUCCIÓN

Hasta llegar el siglo XVI las diferentes civilizaciones artísticas de Occidente se habían sucedido sin sobresalto. En siglo XV, gótico y Renacimiento habían vivido uno al lado del otro, en buena forma. Pero, a partir de del siglo XVI, el arte occidental se dividirá en fuerzas contradictorias que esconden ideologías diferentes.
Dos figuras vienen a encarnar las ideologías opuestas: Erasmo y Lutero, el humanista y el profeta, el conciliador y el revolucionario. Erasmo sueña con hacer entrar el Panteón en el Paraíso. No viendo sino lo que las cosas tienen de común, lo intenta todo por salvar la unidad espiritual de Europa. Lutero el hombre sediento de Dios, resucita del viejo fondo de la Edad Media la imagen del hombre débil, el hombre gimiente bajo el destino pecador que le impone un Dios terrible.
Italia se encontraba dividida por estas dos fuerzas. Sobre una base intelectual en Roma y sensible en Venecia, Rafael y Tiziano definen las leyes del clasicismo, que subordina el conjunto de la obra al equilibrio de todas sus partes entre sí, lo que hace que se atenúen los rasgos y la expresión, nace de esta ruptura de equilibrio una desesperación que atormenta los cuerpos y asómbrese los rostros. Tales exigencias de la expresión, sabrá mantenerlas Miguel Angel dentro de los limites de la belleza, y ahí radica su milagro.
De la confusa mezcla del clasicismo con el barroquismo, nace en Italia una crisis conocida bajo el nombre de “manierismo”. Salvo la escuela veneciana, las demás escuelas quedaran afectadas por esta crisis, conduce a los artistas a la extravagancia en los gestos y las expresiones, al alargamiento desmesurado de las proporciones y a las contorciones en las actitudes.
Sin embargo el prestigio de Roma impuso el Renacimiento, y Europa se hallaba en un dilema, que era esquivar los temibles modelos de Miguel Angel, Rafael o Leonardo ya que se esta imponiendo el italianismo, es decir con el manierismo se estaba desplazando al gótico flamígero. Esta crisis favoreció a la proliferación del manierismo en Amsterdam (Países Bajos), Leyden (Holanda), Amberes (Bélgica), Fontainebleau (Francia), Basilea (Suiza), en el Danubio y en la Península Ibérica.
Apenas asimilado el Renacimiento, Europa en una revisión general de los valores, hallara una madurez definitiva que, tras una nueva crisis de crecimiento, permitirá que el siglo XVII, se pueda convertir en el siglo de oro europeo.
Este movimiento que tiende a crear un nuevo humanismo cristiano, pertenece precisamente al siglo XVI, durante este extraordinario siglo se incubo un mundo de ideas, de formas y de sentimientos contradictorios.

ARTE DEL RENACIMIENTO

Introducción

Situación cronológica y espacial. Cambios:
 políticos:
° Desarrollo de la monarquía autoritaria.
° Formación de Estados unificados modernos.
 económicos:
° Inicios del capitalismo.
 ideológicos:
° Humanismo, el hombre es centro del universo frente a la teoría medieval. Espíritu crítico: avances científicos, reformas religiosas.
° Afán de conocimientos: descubrimientos geográficos.
 Concepto de Renacimiento: nueva concepción del hombre y de la naturaleza.

Caracteres generales

Surge en Florencia en el siglo XV extendiéndose por el resto de Europa y adoptando algunas particularidades exclusivas de las distintas nacionalidades.
Causas de su aparición en Italia: tradición grecorromana, escaso arraigo medieval, desarrollo urbano tanto político como económico y social.
Representa una nueva concepción del hombre y de la naturaleza con respecto a la Edad Media.
Los dos rasgos más característicos del Renacimiento son:
 Humanismo:
° Antropocentrismo: todo se estudia con referencia al hombre.
° Individualismo: el hombre se define por su individualidad frente a la idea de colectividad de la Edad Media.
° El nuevo ideal humano es el hombre completo, armónicamente desarrollado.
° Racionalismo: frente al sobrenaturalismo medieval, el hombre renacentista confía en la razón humana como fuente autónoma de conocimientos.
° Se produce una separación entre cristianismo y la cultura laica que no es necesariamente anticristiana.
° Estuvo alentado por la formación de colecciones de la antigüedad, la difusión de la cultura clásica, las excavaciones arqueológicas y la formación de los centros de estudios humanísticos (academias).
 Naturalismo.
° Se valora a la Naturaleza en si misma, no en cuanto creada por Dios.
° Vuelta hacia la realidad de las cosas.
 Vuelta a la antigüedad prestando especial atención al estudio metódico de los clásicos grecorromanos: de Grecia adoptan el espíritu y de Roma las formas artísticas.
 Invención de la imprenta: juega un papel destacado en la difusión de los tratados teóricos.
 Juegan un papel decisivo los Mecenas: protegen el arte para demostrar y acrecentar su poder, y despertar la nueva conciencia humanista. Destacan los Medici en Florencia.
 Adquiere una dimensión la consideración social del artista que pasa a ocupar un puesto destacado en la sociedad.
 Las obras dejan de ser anónimas, fruto de los gremios, sino que se individualizan mediante la firma del artista, a diferencia de los gremios medievales.
 Visión unitaria: es fundamental para la armonía y belleza de las obras renacentistas subrayando los valores eminentemente espaciales.
 Nuevo concepto de belleza: se considera al arte más como pura recreación del espíritu que como expresión del pensamiento religioso. La belleza de las formas sustituye al expresionismo medieval. Lo auténticamente bello es, sobre todo, el hombre en todas sus facetas. El ideal de belleza está basado en la armonía entre las distintas partes, en la medida, en la proporción, el número y el orden.
 Fue importante en el Renacimiento el papel desempeñado por la “teoría”: esto supone una formación científica del artista y que el pensamiento precede a la ejecución. Destacan teóricos como ALBERTI, VIGNOLA (Reglas de los cinco órdenes de la arquitectura civil), PALLADIO (Los cuatro libros de la arquitectura).
 Importancia de la perspectiva: conjunto de reglas gráficas y matemáticas que permiten representar con exactitud científica la realidad. Se usa no sólo en la pintura sino también en la escultura y en la arquitectura, ya que es un medio de racionalizar la visión de la naturaleza.
 En Italia hay dos etapas principales (adaptación de los elementos clásicos, mezcla de elementos)
° Siglo XV. Quattrocento o Primer Renacimiento.
– Centro: Florencia.
Periodo de planteamiento de problemas. La arquitectura abandona la verticalidad gótica; la escultura se independiza y busca un canon de belleza humana; en pintura se logra el dominio del espacio y del volumen.
° Siglo XVI:
– Primera mitad: Cinquecento o Alto Renacimiento.
Centro: Roma, pleno dominio de las formas ajustadas a cánones de belleza ideal.
– Segunda mitad: Manierismo o Renacimiento tardío.
Se cuestiona el concepto de belleza clásico, se busca la representación subjetiva de la realidad.
Se produce una crisis generalizada representada por la consolidación de las monarquías absolutas, el avance de la reforma protestante, etc.
 En el resto de Europa el Renacimiento se extiende desde fines del siglo XV y abarca todo el siglo XVI.
 EN España EL Renacimiento se introduce a fines del siglo XV, debiendo luchar contra las formas góticas y mudéjares que estaban firmemente arraigadas en la península. Otro factor que favorece esta lentitud en la adopción del Renacimiento en España es la gran fuerza de la Corte, de la Iglesia y de los nobles que controlaban el arte y la cultura recelaban de las nuevas formas de carácter humanista y racionalista, es decir, del paganismo renacentista.
 No obstante, el Renacimiento se introducirá fuertemente en España siendo la nación, detrás de Italia donde primero se escribieron tratados sobre el arte renacentista.
 También existieron factores que contribuyeron a la implantación del Renacimiento en España: las relaciones políticas y económicas con Italia durante la Baja Edad Media.
° La presencia de artistas extranjeros, especialmente italianos en España.
° La formación en Italia de artistas españoles.
° la importación de obras italianas, sobre todo con Felipe II que representa el poder y el auge español
° La publicación de tratados y libros grabados con motivos decorativos renacentistas italianos.
Se suelen distinguir tres grandes periodos correspondientes a los tres tercios del siglo XVI, aunque en algunas ocasiones los dos primeros se agrupan en uno sólo.

ARQUITECTURA

° La arquitectura renacentista presupone al arquitecto una sólida formación científica.
° Frente a la antigüedad de las formas góticas se oponen las formas y principios de la arquitectura clásica, pero no se trata de una copia sin más de los mismos, sino de una interpretación de las leyes en que se basaba el arte clásico.
° Van a tener muy presente la idea de belleza y perfección basada en un estricto racionalismo. El edificio es, de esta manera, el resultado de un estudio racional: proporción, concordancia, simetría y armonía.
° Se parte de la adopción de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos pero no respetan sus proporciones sino que buscan una mayor esbeltez.
° Está estrechamente relacionada con los estudios matemáticos:
– Tiene un carácter racional y en ella prevalecen la armonía, la proporción y la simetría.
– Se basa en una serie de reglas que pueden ser estudiadas y perfeccionadas racionalmente.
° Toman como fundamento las formas básicas geométricas claramente perceptibles: círculo, cuadrado, cubo, etc.
° Muestran especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas: establecen unas relaciones de longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de minuciosos cálculos matemáticos.
° Equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura: no debe predominar lo vertical sobre lo horizontal.
° Preocupación por conseguir la visión unitaria de la obra articulando armónicamente los distintos elementos entre sí y con el conjunto.
° Está presente también el antropocentrismo: los arquitectos toman como modelo las proporciones del cuerpo humano para determinar las de un edificio.
° El espacio se organiza de acuerdo con las leyes de la perspectiva, considerada como método racionalizador de la visión.

TIPOS DE EDIFICIOS

Templo

Se pierde la parte del simbolismo anterior en aras del afán racionalista y matemático.
- Planta:
• Basilical o de cruz latina en el Quattrocento.
• Centralizada (circular o de cruz griega) en siglo XV: responde mejor al racionalismo y al afán de simetría del renacimiento.
- Alzado:
• Espacios diáfanos, claros, uniformemente iluminados.
• Gran cúpula sobre el crucero; iluminación más fuerte del altar, simbolismo religioso.

Palacio

El modelo de palacio se desarrolla fundamentalmente en Florencia.
Pierde su carácter de fortaleza y se convierte en un edificio urbano.
- Planta.
• Aspecto macizo y cerrado.
• Planta cuadrada con un patio central.
- Fachadas
• Interiores: tres galerías o “loggias” abiertas.
• Exteriores. Hay tres tipos:
~ 1er tipo:
Tres pisos separados por una cornisa decorada.
El piso inferior con nichos, los superiores con ventanas.
Paramento, almohadillado en el piso inferior.
Ejemplo: Palacio Medici-Ricardi en Florencia.
~ 2º tipo:
Tres pisos separados por entallamiento del mismo orden que las pilastras del piso inmediatamente inferior.
Ventanas geminadas en los pisos superiores y pequeños vanos en el inferior; las ventanas están separadas mediante pilastras de distinto ordenen cada piso.
Paramento almohadillado de menor resalte en cada piso, llegando a ser totalmente liso en el superior.
Coronado todo el edificio por una gran cornisa.
Ej. : Palacio Rucellai en Florencia.
~ 3er tipo:
Propio ya del Cinquecento.
Pisos separados sólo por una franja decorativa.
Ventanas enmarcadas por columnas que mantienen la superposición de órdenes y de un frontón.
Coronada por una gran cornisa.
Ej. : Palacio Farnesio de Sangallo el Joven}

Villa

Residencias campestres, a imitación de las romanas, que demuestran el poder de la nueva clase burguesa.
Plenamente integradas en el paisaje.

EVOLUCIÓN DE LA ARQUITECTURA: DE BRUNELLESCHI A VIGNOLA

 CUATTROCENTO
Se caracteriza por los estudios científicos basados en la perspectiva y en la idea de la proporción.
La arquitectura goza de supremacía sobre la escultura y pintura.
La arquitectura busca crear un nuevo lenguaje que rompa con el goticismo medieval.
La segunda mitad del siglo se distingue por la abundante y menuda decoración

Brunelleschi

- Presta especial interés a las proporciones.
- Compagina lo monumental con la minuciosidad decorativa.
- Con el fin de conseguir columnas más esbeltas introduce entre el capitel y el arco una porción de entablamento para dar mayor altura.

Alberti

- Prototipo de los humanistas: es uno de los principales teóricos del arte del Renacimiento.
- Para Alberti la belleza radica en los principios matemáticos, en las proporciones de sus partes y en las formas geométricas (círculo y cuadrado).
- Crea diversos tipos arquitectónicos: la iglesia de nave única con capillas entre contrafuertes (precedente de las iglesias jesuíticas barrocas), la fachada inspirada en los arcos de triunfo romanos, etc.

 CINQUECENTO
Centro artístico: Roma, bajo el mecenazgo de los Papas.
Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos.
La arquitectura pierde importancia frente a la pintura.
Es un arte solemne y monumental, pero se huye de todo colosalismo deshumanizado.
Predomina la medida, el equilibrio y la proporción, alcanzando la idea de ésta una excepcional importancia.
Desaparece prácticamente la menuda decoración anterior. Se prefiere una decoración basada en los efectos monumentales de los elementos arquitectónicos.
Empleo de frontones triangulares y semicirculares en combinación.Se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula, símbolo del orden divino existente en el universo.

Bramante

- Hace desaparecer casi totalmente la decoración.
- Muestra preferencia por las estructuras simples: es lo constructivo lo que le interesa especialmente.

 MANIERISMO
Época de crisis cultural: se manifiesta en la arquitectura poniendo en duda la validez de lo clásico.
Frente a la objetividad absoluta del ideal del Renacimiento, se acentúa la individual del artista. La libertad se antepone a cualquier autoridad.
Los arquitectos no aportan nuevos elementos sino que combinan de una forma nueva los ya existentes: multiplican los elementos arquitectónicos empleándolos de un modo arbitrario.
Se apartan del racionalismo renacentista: no se busca la proporción ni la armonía, se buscan efectos sorprendentes y pintorescos: los elementos aparecen superpuestos, se introducen unos frontones en otros, etc.
Se utiliza el orden colosal combinándolo con otros de menores dimensiones.
Rompen con la serenidad y el equilibrio clásicos iniciando el dinamismo protobarroco.

Miguel Ángel

- Busca los grandes efectos espaciales

Vignola

- Crea el tipo de iglesia jesuítica siguiendo las ideas de Alberti: cruz latina, cúpula sobre el crucero y capillas laterales.

ESCULTURA

La escultura se independiza de la arquitectura, adquiere interés por sí misma.
Continúa siendo fundamentalmente cristiana aunque se subordine el simbolismo religioso a la consecución de la belleza. Centran su interés en la belleza formal de las figuras.
Abundan también los temas mitológicos.
El artista goza de más libertad en el tratamiento de los temas.
Acentuado naturalismo: buscan la representación de la realidad, aunque a veces ésta se idealice.
Interés por el hombre: estudios anatómicos.
Preocupación por la expresividad.
Se intentan crear modelos ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento.
Utilización de la perspectiva en los relieves.
Materiales: mármol, alabastro, bronce. En España se utiliza la madera (más expresividad).
Se practica tanto el relieve como la escultura exenta.

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA

 QUATTROCENTO

Ghiberti

Autor de transición entre el Gótico y el Renacimiento.
Destaca por la visión pictórica de los relieves:
- Gradúa el relieve desde formas casi imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto redondo en el primer plano.
- Ordena las escenas en planos: aumenta el efecto de profundidad y perspectiva.
- Todo esto manifiesta una fuerte influencia clásica (Ara Pacis).
- Fondos de paisajes o arquitecturas sobre los que dispone un gran número de figuras: perfecta relación figura-espacio.
- Preocupación por los detalles y lo puramente decorativo.

Donatello

Se caracteriza por el humanismo, realismo, naturalismo y expresividad.
- Representa al hombre en todas las edades, tipos y estados de ánimo.
- Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época romana.
- Difunde el retrato: quiere representar el carácter del individuo.
- En el relieve utiliza la técnica del aplastado, de manera que las figuras apenas se destacan del fondo; sin embargo, consigue sensación de espacialidad al colocar las figuras en planos superpuestos.

 CINQUECENTO

Miguel Ángel

- Supera el realismo de Donatello para intentar alcanzar la expresión estética suprema: la IDEA de belleza.
- Reacciona contra el detallismo y las figuras suaves y amables de los artistas de fines del Quattrocento.
- Realiza formas monumentales, duras, llenas de tensión.
- Busca la manifestación de una profunda espiritualidad mediante formas desgarradas; a veces incluso deja las figuras sin terminar para que la expresividad sea mayor. Ansia de la muerte y de la salvación.
- Crea arquetipos humanos gigantescos: grandiosidad, fuerza y vitalidad.
- Presta especial atención al desnudo resaltando una musculatura poderosa y exuberante (estudio anatómico).
- Posturas variadas, a veces de movimiento muy complicado.
- Parte de esquemas piramidales, cerrados, para alcanzar formas alargadas, fusiformes, abiertas.
- Los rostros expresan una gran variedad de sentimientos, especialmente los gestos dramáticos, patéticos; esto se conoce con el nombre de terribilitá.
- Su material preferido es el mármol blanco.

 MANIERISMO

Cellini

- Gran habilidad técnica
- Se formó como orfebre: esto influirá en la minuciosidad con que realiza sus esculturas.
- Imita y exagera el dinamismo de Miguel Angel.

PINTURA

Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz.
Abandono de los rígidos esquemas medievales y búsqueda de composiciones racionales, científicamente calculadas, de las que se deriva la armonía y el equilibrio de las partes en el conjunto de la obra.
Búsqueda de tipos ideales de representación.
Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza: temas religiosos (con una nueva interpretación) y profanos (retratos) enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.
De todas las manifestaciones del Renacimiento, la pintura es la que evoluciona con mayor intensidad a lo largo de los distintos periodos.

GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA

Masaccio

- Prescinde totalmente del goticismo.
- Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.

Botticelli

- Formación neoplatónica: intenta conjugar la mitología pagana con el cristianismo.
- Composiciones melancólicas e idealistas.
- Gran dibujante: predomina la línea sobre el color. Dibujo nervioso de líneas ondulantes que forman arabescos.
- Prestó especial atención a la figura femenina.

Leonardo Da Vinci

- Parte del principio de que la pintura no puede alcanzar el ideal de belleza si no deriva de un sistema compositivo sometido a reglas y normas. Plantea la necesidad de una síntesis de todos los componentes de la pintura: composición, perspectiva, proporción, luz y color.
- Creador del sfumato o “difuminado”: los perfiles se desdibujan, fundiéndose figuras y espacio en una misma atmósfera. Esto se consigue mediante el paso gradual de la luz a las sombras, de los colores vivos a los apagados. El contraste de luces y sombras da volumen a las figuras. Para Leonardo toda cosa lejana al pintor debe ser considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a tonalizar el color.
- Composiciones piramidales en las que las figuras aparecen totalmente relacionadas entre sí.
- Estudia las figuras humanas tanto psicológica como anatómicamente.
- Representa una gran variedad de tipos y movimientos.
- Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa.
- Su concepción del claroscuro como una lenta fusión del negro y del blanco y no como una lenta gradación de tonos coloreados, será el origen del tenebrismo barroco.

Miguel Ángel

- Muy influido por su carácter de escultor.
- Predominio del dibujo: volúmenes netos y bien definidos.
- El tema básico es la figura humana
- Gran fuerza tanto física como espiritual.
- Gran interés por la anatomía.
- Gestos dramáticos: terribilitá
- Gran variedad de actitudes, prefiriendo las que manifiestan un equilibrio
- Dinamismo, riqueza de movimientos.
- Elimina casi totalmente el paisaje,
- Prepara el camino para el Manierismo.

Rafael

- Aúna el realismo y el idealismo.
- Figuras con gestos de dulzura y elegancia.
- Dibujo preciso y colores claros.
Primera etapa
- Figuras blandas, de suave modelado y mirada ensoñadora.
- Composiciones simétricas y ordenadas en amplios escenarios.
Segunda etapa
- Influencia de Leonardo, uso del sfumato.
- Colores cada vez más suaves y transparentes.
- Temas: Virgen con el Niño, Virgen de aspecto melancólico con fondos de paisajes.
- Retratos: idealización.
Tercera etapa
- Influencia de Miguel Angel. Figuras más robustas y monumentales.
- Composiciones amplias de grandes espacios.
- En los retratos fusiona la figura con la atmósfera, difuminando los contornos.

Características del nuevo arte:

De forma genérica se pueden establecer las características del Renacimiento en:
1º. La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.

2º. Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento de fenómeno casual, sino hacía la penetración de la idea.

3º. El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Como arte esencialmente cultural presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social. Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo estilo se remontan al siglo XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo, forzosamente, la atención sobre los restos monumentales clásicos. talia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán, el Estado Pontificio y Nápoles. La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos. Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación artística. En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayudará al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los Médicis, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia.

MIGUEL ÁNGEL

Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época. Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en esencia, fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó gran parte de su madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas, sin embargo, siempre se preocupó de dejar instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de Santa Croce. El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Médicis. Invitado a las reuniones y tertulias que Lorenzo el Magnífico organizaba en el Palacio de los Medici con otros artistas, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conversar con los Médicis más jóvenes, dos de los cuales posteriormente llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); conoció también a humanistas de la talla de Marsilio Ficino y a poetas como Angelo Poliziano, habituales visitantes del palacio. Por entonces Miguel Ángel que contaba con 16 años de edad, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera (ambas fechadas en 1489-1492, Casa Buonarroti, Florencia), con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a tan temprana edad.
Su mecenas, Lorenzo el Magnífico, murió en 1492, dos años después Miguel Ángel abandonó Florencia, en el momento en que los Médicis son expulsados por un tiempo de la ciudad por Carlos VIII. Durante una temporada se estableció en Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca de Santo Domingo en la iglesia del mismo nombre. Más tarde, Miguel Ángel viajó a Roma, ciudad en la que podía estudiar y examinar las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que por entonces se estaban descubriendo. Poco después realizó su primera escultura a gran escala, el monumental Baco (1496-1498, Museo del Barguello, Florencia), uno de los pocos ejemplos de tema pagano en vez de cristiano realizados por el maestro, muy ensalzado en la Roma renacentista y claramente inspirado en la estatuaria antigua, en concreto en el Apolo del Belvedere. En esa misma época Miguel Ángel esculpió también la Pietà (1498-1500) para San Pedro del Vaticano, magnífica obra en mármol que aún se conserva en su emplazamiento original. La Pietà, una de las obras de arte más conocidas, Miguel Ángel la terminó casi con toda seguridad antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. El punto culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel viene marcado por la gigantesca (4,34 metros) escultura en mármol del David (Academia, Florencia), realizada entre 1501 y 1504, después de su regreso a Florencia. Paralelamente a su trabajo como escultor, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de demostrar su pericia y habilidad como pintor al encomendársele la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano. En ella Miguel Ángel plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la historia del arte.

Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, Miguel Ángel había recibido el encargo del papa Julio II de realizar su tumba, planeada desde un primer momento como la más magnífica y grandiosa de toda la cristiandad. Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, entonces en construcción, Miguel Ángel inició con gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para obtener el mármol necesario. La escasez de dinero, sin embargo, llevó al Papa a ordenar a Miguel Ángel que abandonara el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina. Cuando, años después, retomó el trabajo de la tumba, la rediseñó a una escala mucho menor. No obstante, Miguel Ángel pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés (c. 1515), figura central de la nueva tumba, hoy conservado en la Iglesia de San Pedro in Vinculis, Roma. Pese a que el proyecto para la tumba de Julio II había requerido una planificación arquitectónica, la actividad de Miguel Ángel como arquitecto no comenzó de hecho hasta 1519, cuando diseñó la fachada (nunca realizada) de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520 diseñó también la Biblioteca Laurenciana (sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso), anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después. También durante esta larga etapa de residencia en Florencia Miguel Ángel emprendió -entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. Ya en Roma, Miguel Ángel comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. En 1538-1539 se iniciaron las obras de remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio (Campidoglio), sobre la colina del mismo nombre, corazón político y social de la ciudad de Roma. Concibió el Capitolio como un espacio ovalado, y en su centro colocó la antigua estatua ecuestre en bronce del emperador Marco Aurelio. En torno a ella dispuso el Palacio de los Conservadores y el Museo Capitolino, así como también el Palacio del Senado, dando al conjunto una nueva uniformidad constructiva acorde con la monumentalidad propia de la antigua Roma. La obra cumbre de Miguel Ángel como arquitecto fue la Basílica de San Pedro, su cúpula se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo occidental.

MIGUEL ÁNGEL: ESCULTOR

Miguel Ángel es sin duda alguna, uno de los grandes genios de la escultura. Su obra transciende al espacio y el tiempo en que nació. Artista con una sensibilidad capaz de tocar las fibras sensibles del hombre y que trata temas universales.
Su obra ha influido en artistas individuales y tendencias escultóricas posteriores.
Para él la escultura es la más completa de todas las artes y, tanto la arquitectura como la arquitectura, son concebidas en función a valores escultóricos. Aunque su preferencia fue la escultura no le impidió ser un gran pintor y arquitecto: “la pintura es tanto más buena cuanto más se parece a la escultura”.
Era un técnico magistral, dominaba como nadie la técnica del trabajo del mármol. De la síntesis del genio creador y del conocimiento de las técnicas de trabajo de la piedra, nace su obra.
Era muy riguroso y selectivo a la hora de elegir el material para sus obras, prefería el mármol blanco de Carrara (norte de Italia). Para Miguel Ángel la escultura está dentro del bloque del mármol, y la función del escultor es “sacar esa materia oprimida de dentro de la materia inerte”.
La idea creativa es lo realmente importante para realizar una obra de arte; esta capacidad de creación se traslada a la habilidad manual para ejecutar su obra.
Muchas de sus obras están inacabadas, “non finito”, por diversos motivos: discusión con los mecenas, problemas con la imperfección del mármol y en otros casos, porque Miguel Ángel consideraba que ya expresaba la idea que quería comunicar.
En su formación como escultor tuvieron una gran influencia los maestros del Quattroccento, como Donatello. También le influyó la estatuaria clásica, especialmente algunas esculturas descubiertas durante su vida, como el Laooconte y el Apolo de Belvedere.
Esculpió obras llenas de lirismo y belleza, es el caso de la Madonna de la scala, la Madonna de Bruja y La Piedad. También esculpió obras dramáticas y llenas de vigor.
La concepción de la figura humana es colosal, llena de vigor, tanto a nivel formal como temperamental. Fuerza interior que se desarrolla en cuerpos musculosos. Sus figuras suelen estar llenas de un movimiento tenso y contenido.
Empleó con mucha frecuencia el esquema triangular y piramidal.
Su obra escultórica está impregnada de la filosofía neoplatónica y de su propia espiritualidad atormentada.
• Madonna de la Escala (1490):
Escultura del Renacimiento italiano. Mármol blanco. 50x40 cm. Se encuentra en la Casa Buonaroti. Se trata de un Schiaccato, que revela la capacidad técnica y artística de Miguel Ángel.
Tiene varios planos de profundidad, que demuestran su gran técnica a pesar de su juventud.
Se muestra revolucionario. Rompe la iconografía tradicional en la forma de representar a la Virgen con el Niño; la Virgen de perfil y el Niño de espaldas.
En esta obra ya se aprecia el colosalismo y la monumentalidad características de Miguel Ángel; a la que la trasparencia y el trato delicado de la piedra.
• Madonna de Brujas:
Repite el tema de la Virgen con el Niño. Composición triangular o piramidal.
Obra llena de sensibilidad y belleza, siguiendo las pautas de la idealidad.
Niño muy musculoso, con vigor físico.
• Baco (1497):
Miguel Ángel muestra su admiración hacia la Antigüedad en un tema mitológico: el dios Baco con una copa de vino.
Es un tema clásico con tratamiento también muy clásico. Vuelta a la Antigüedad en el tema y en la forma. Es una de las obras más blandas y lánguidas de Miguel Ángel.
Representa el tambaleo, el movimiento inestable propio del bebedor.
Es una obra llena de sensualidad y un cierto amaneramiento que recuerda a Praxíteles.
No participa de los valores de vigor y colosalismo propios de la obra de Miguel Ángel.
• La Piedad del Vaticano (1498-99)
Escultura del Renacimiento italiano. Composición piramidal. Está realizada en un bloque de mármol blanco y mide algo más de dos metros.
Fue un encargo del cardenal Jean.
Es la única obra firmada por Miguel Ángel ya que quedó plenamente satisfecho y seguro de ella. Creía que con su arte podía alcanzar los ideales de Belleza y Verdad. Es un Miguel Ángel lleno de fuerza y optimismo.
Representa a María con su hijo muerto en los brazos.
Es una obra plena de neoplatonismo ya que Miguel Ángel concibe a ambos personajes por encima de la tragedia, en un plano ideal de superación del dolor.
Miguel Ángel se nos revela en esta obra como un técnico consumado.
Cada músculo y hueso está perfectamente estudiado, Los rostros son de gran serenidad. El rostro de la Virgen es muy juvenil, resaltando el dogma de la virginidad.
En 1972 fue golpeada doce veces y la Virgen se vio dañada en una mano y en el rostro.
Es una de las obras que mejor plasma los principios del Renacimiento pleno. También es reflejo del amor que Miguel Ángel profesaba a la Virgen. (comparar con las otras “piedades”).
• David (1504):
Mide más de cuatro metros. Es un solo bloque de mármol. Es una obra colosal tanto por el tamaño como por la fuerza que emana de ella.
Se encuentra en la Academia de Florencia., es un símbolo de la ciudad.
Para construirlo, Miguel Ángel partió de un bloque muy alto y estrecho, lo que supuso una dificultad para el artista.
El tratamiento que le dio al tema es absolutamente novedoso. No esculpió un efebo elegante y amanerado (David de Donatello, David de Verrochio) sino, que eligió el momento de máxima tensión antes de realizar el lanzamiento. Esto se refleja en el rostro, con una mirada fija y amenazadora.
Es un tema cristiano que ha sido sacado de contexto y utilizado como excusa para realizar un desnudo.
El culto a la Antigüedad se refleja en el cuerpo del David, que es un atleta.
La concepción del cuerpo humano es asimétrica. Hay un ligero contraposto. Se da una posición diferente en los brazos junto con la musculatura en tensión, tendones temblorosos y rostro imponente.
El David es símbolo de fortaleza, ira, libertad, tensión y fuerza contenida. (Ver comentario en el libro de texto).
• Piedad de la Catedral de Florencia:
Muestra el patetismo de la situación. La inestabilidad y tensión de los cuerpos muestran el vocabulario manierista.
Son figuras serpentinatas y ondulantes, que triunfan en el manierismo.
Mas que la belleza formal se valora la expresividad.
La figura que aparece de la Magdalena, es añadida.
Nicodemo, que sostiene a Cristo, podría ser el propio autor, ya que esta obra iba destinada a su propia tumba.
• Piedad Rondanini:
Está inacabada, ya que la muerte le sorprendió cuando la estaba realizando.
Sintetiza al máximo los recursos expresivos, cánones muy alargados, anti-clásicos.
Se subraya el patetismo. No se da un vocabulario clásico. Se trata de una obra casi expresionista.

MIGUEL ÁNGEL: PINTOR

Desde muy joven Miguel Ángel mostró su habilidad pictórica; a los trece años ya estaba trabajando en los talleres de Ghirlandario.
Para él la pintura era un arte secundario con respecto a la escultura, por esta razón en su pintura domina el volumen. Sus figuras humanas participan de valores escultóricos: volúmenes, distorsiones violentas de la anatomía, musculosos, y figuras con movimiento tenso. Deja en un segundo plano, o incluso omite, el paisaje, el fondo o la perspectiva.
El protagonista es el hombre, con un cuerpo colosal y monumental.
Miguel Ángel popularizó la organización de las superficies pictóricas en función a una arquitectura simulada en los frescos.
Organiza la superficie con una serie de módulos pintados que simulan arquitectura, de esta manera crea un entramado de líneas llamada quadratura. Así Miguel Ángel está anticipando en casi un siglo la síntesis de las artes propias del Barroco: arquitectura, pintura y escultura, se unen para impactar al espectador.
Además de ser un gran fresquista, pintó sobre tabla con la técnica del temple.
Se creyó que Miguel Ángel había concedido poca importancia al color, pero tras la limpieza a la que se ha sometido su obra, se ha descubierto que fue un gran colorista y que usaba colores claros y brillantes.

• La Capilla Sixtina:
En 1508, Julio II encargó a Miguel Ángel la decoración de la bóveda, lo cual contrarió bastante a Miguel Ángel.
De 1508 a 1512, Miguel Ángel pintó la bóveda, respetando la obra de los pintores anteriores.
Es una bóveda de cañón muy rebajada, pero con sus trazos pictóricos, consiguió crear la sensación de que era más peraltada.
De 1534 a 1541 realizó el Juicio Final, encargo de Paulo II, en el muro del fondo.
Miguel Ángel organizó la bóveda según el sistema de quadratura. Arquitectura, pintura y escultura se sintetizan según la teoría de Miguel Ángel.
Miguel Ángel representó toda la historia de la humanidad, según el cristianismo. También decoró con sibilas y profetas; las sibilas eran mujeres, pitonisas, capaces de comunicarse con el más allá y hacer profecías. Sibilas y profetas, tanto en el mundo clásico como en el Antiguo Testamento, habían profetizado la venida de Cristo.
Miguel Ángel representó toda la grandeza de la Creación, bajo el impulso titánico de Dios Creador, Principio Motor, lleno de fuerza y vigor.

Representaciones:
• Creación de Adán: Sentido del volumen. Le preocupó el cuerpo humano y no la perspectiva.
• Expulsión: El hombre titán creado por Dios se convierte en un ser atormentado.
• Sibila Délfica: Gran desarrollo muscular, casi como de hombre. La representa en el momento en que se le está revelando el mensaje divino. Está enmarcado en arquitectura simulada. Miguel Ángel conformó un entramado de líneas arquitectónicas pintadas, en las que enmarca las escenas: quadratura. No se preocupa de la perspectiva, sino que utiliza un sistema novedoso, que anticipa el estilo Barroco. Para realizar sus obras, Miguel Ángel apenas fue ayudado por sus discípulos. Esta obra, resume todo el drama de la humanidad.
• Juicio Final: Mandado construir por Paulo III (1534 - 1541) en el Presbiterio. Son más de cuatrocientas figuras organizadas rompiendo con los cánones renacentistas de perspectiva. Representa el Destino Trágico , organizado por su Ser Dominante. En la parte más alta, los ángeles con los símbolos de la Pasión: columna, cruz, corona de espinas… A la derecha de Jesús se encuentra la Virgen María, y a la izquierda San Juan, ambos intercediendo por el alma de los difuntos. También aparece un Dios con aspecto terrible y justiciero. En el plano celestial, aparece San Bartolomé junto con otros santos. En el centro de la obra, Ángeles trompeteros. En la parte inferior, el mundo del Hades, la condenación. No siguió ninguna composición clásica, sino racimos de figuras que ascienden o se precipitan al abismo. Destacan las torsiones violentas y giros.
Para determinados sectores, fue un escándalo los desnudos que pintó en un tema religioso como es este. Danielle della Voltera, “Il Braguetone,” cubrió con paños los desnudos de Miguel Ángel.

MIGUEL ÁNGEL: ARQUITECTO

La arquitectura de Miguel Ángel responde a la idea de masas dinámicas en tensión. No respeta los cánones tradicionales en la distribución de los elementos clásicos, a los que somete a su propia interpretación, dramática y tensa. Esta alteración personalísima del vocablo arquitectónico clásico hace que se le considere peculiar del manierismo.
El movimiento y tensión lo consigue jugando con el muro, el vano las formas y el color.
A los elementos arquitectónicos los dota de un tratamiento plástico propiamente escultórico. Utilizó un orden de tamaño colosal.

• Biblioteca Laurenciana:
Construida en Florencia para los Medicci.
Consta de tres partes: Vestíbulo, Sala de libros y manuscritos y Sala de lectura.
El Vestíbulo es una de las obras más originales del Renacimiento , en personal y controvertida. Es un espacio bastante pequeño, el visitante tiene la sensación de agobio. Hay una escalera que inunda todo el espacio. Esta tiene tres tramos, cada escalón está formado por líneas convexas, bandas que inundan el espacio. El diseño de esta escalera ha sido relacionado con el lenguaje onírico.
No hay un sistema de proporción entre la escalera y el espacio; la escalera resulta descomunal para el espacio del vestíbulo.
La organización del muro, en función a nichos, columnas (empotradas al muro) y mensulas (por debajo de todo, como si fueran elementos sustentantes), rompe totalmente con el tratamiento normal de estos elementos, creando un sistema trastocado de elementos arquitectónicos: Manierismo.
• Plaza del Capitolio en Roma:
Es uno de los ejemplos más característicos del urbanismo del Renacimiento. Miguel Ángel fue urbanista, organizó la plaza con un diseño trapezoidal, con tres palacios que limitan la plaza (Palacio de los Conservadores, Palacio senado y Palacio de los Museos Capitolinos) y una gran escalera. Las fachadas están organizadas con el orden gigante.
Trazó el pavimento y en el centro colocó una figura ecuestre de Marco Aurelio.
Para comunicar la plaza con la ciudad realizó una escalera con escalones de muy poca altura y gran superficie, preparados para ascender despacio (no es un mero elemento que comunica dos niveles).
Consigue un espacio imponente, monumental, en un solar pequeño e irregular.
• Cúpula de San Pedro del Vaticano:
A los setenta y cuatro años, Miguel Ángel es nombrado director de las obras de San Pedro del Vaticano. Descarta los proyectos de Sangallo y Rafael, y se decide por el proyecto de Bramante, de cruz latina. Simplificó el proyecto de éste eliminando cúpulas y torres para darle mayor relevancia a la cúpula central.
Para construir la gran cúpula aumentó el grosor de los cuatro pilares que la sustentan y organizó la fachada exterior de la basílica dando supremacía a una de las cuatro; Miguel Ángel la disminuyó respecto al proyecto de Sangallo para que no entorpeciera la visión de la cúpula.
La cúpula es sobre pechinas; pequeñas bóvedas triangulares que salvan el tránsito del cuadrado al círculo. Esta concebida como una doble cúpula, inspirada en Sta. María de las Flores. El casquete descansa sobre un tambor horadado con ventanas rectangulares coronadas por frontones semicirculares y triangulares alternativamente. Las ventanas están flanqueadas por columnas pareadas. Por encima de las columnas se encuentra el entablamento. Encima del tambor hay un friso, anillo decorado por guirnaldas. La linterna repite, en menor escala, el ritmo de columnas del tambor.
Esta cúpula es una obra maestra, símbolo de lo Absoluto.
Servirá como fuente de inspiración para otras cúpulas posteriores.

CONCLUSIÓN

El Renacimiento, es la consecuencia de un interés por el pasado grecorromano, con el cual se buscaba volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a aquellos pueblos. De este movimiento surgieron las grandes figuras como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, que son los que mantienen vivos nuestra admiración a través de los tiempos.
Italia es donde surge el Renacimiento en los siglos XIV, XV y logra su mayor apogeo a principios del siglo XVI. Este se extiende por Europa lentamente gracias a la creación de universidades, escuelas y de las grandes construcciones como El Escorial o El Louvre.
Cuando entra en Italia el Renacimiento, se trata de buscar la forma tridimensional y desechar el arte puramente lineal. En el quettrocento, en Florencia la pintura se vivió en un momento culminante con la aparición de los primeros artistas y de las distintas escuelas. El cinquecento representa la época más brillante del arte universal, donde aparecen todos los grandes artistas.
El impacto del Renacimiento en países como: España, Portugal, Alemania, Países Bajos y Francia, fue bastante duro, ya que los artistas de esos países emigraron a Italia y luego regresaron a sus países a imponer el Renacimiento italiano.
Lo que se quería demostrar con este trabajo, es la importancia que tuvieron los siglos XIV, XV, XVI y XVII, en la cultura renacentista que se encuentra específicamente en Europa.

BIBLIOGRAFÍA

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- Marín, Gran Biblioteca, Historia de las artes, Capitulo I, Editorial Marín 1972, Madrid, España.

- Aznar; Sagrario; Nieto, Víctor; Soto, Victoria, Historia del Arte, Editorial Nerea, S.A, 1994, Torrejón, Madrid, España.

- Diccionario de Biografías, Editorial Océano 1991, Madrid; España.

- Historia del Arte, Tomo 6, Editorial Salvat, S.A, 1984, pp 47-64.